#166
Curating / Creating

Exposition du 16 au 25 novembre 2023
Vernissage le mercredi 15 novembre de 18h à 21h

L’exposition curating/creating présente des artistes qui, parallèlement à leur activité artistique, exercent une activité curatoriale.
Ces artistes écrivent aussi des textes théoriques sur leur propre travail et souvent sur celui de leurs pairs. Ils travaillent en groupes informels et ont souvent tissé entre eux des liens personnels.
J’ai pu échanger avec la plupart d’entre eux, les invitant à répondre à ces deux questions :
- Pourquoi vous êtes-vous engagé dans l’activité curatoriale ?
- Sur quels critères repose votre choix des artistes exposés ?
Il ressort de nos échanges que ce qui est moteur dans leur activité de curateur est avant tout l’esprit de camaraderie : montrer, promouvoir, rendre visible le travail de leurs pairs. Il leur importe ensuite d’inventer de nouvelles formes d’exposition, d’élaborer et de diffuser de nouveaux concepts aussi bien sur l’art que sur l’art d’exposer et sur le processus de création lui-même.
L’enrichissement personnel qu’ils retirent de cette activité joue aussi un rôle important dans leur motivation.
Dans ce catalogue, vous trouverez les réponses données par chaque artiste aux deux questions posées.

J’ai tenu à réunir dans cet espace spécifique qu’est Abstract Project ces artistes engagés dans la curation. La galerie associative Abstract Projet est un lieu de création, de réflexion et de diffusion créé et géré par et pour les artistes. Ce cadre spécifique correspond effectivement au concept de curating et diffère quelque peu de ce qu’on peut appeler commissariat ou organisation d’exposition.
Hans Ulrich Obrist a contribué largement à développer ce concept et l’incarne de façon exemplaire.
Il insiste particulièrement sur le fait que la curation est un processus basé sur l’échange avec les artistes. Les accompagner dans la découverte de directions nouvelles en fait partie. C’est un aspect essentiel du curating (curare= prendre soin).
Le curateur imagine aussi de nouvelles formes d’exposition, d’autres montages espace/temps (expositions éclatées, expositions dans des lieux inhabituels : chambre d’hôtel, hôpital …) La question de la réception des oeuvres est au centre de l’activité curatoriale. Abstract Projet est une structure fortement marquée par son public qui est composé majoritairement d’artistes.
Cette spécificité en fait une pépinière de projets artistiques et une vitrine pour les artistes qui y montrent leur travail, restant en dehors du circuit commercial et signant par cela leur engagement fort dans la création contemporaine.

Bogumila Strojna

The curating/creating exhibition presents artists who, in parallel with their artistic activity, are also curators.
These artists also write theoretical texts on their own work and often that of their peers. They work in informal groups and have often forged personal links with one another.
I was able to talk to most of them, inviting them to answer these two questions:
- Why did you become involved in curating?
- On what criteria do you base your choice of artists you exhibit?
Our discussions revealed that the driving force behind their curatorial activity is above all a spirit of camaraderie: to show, promote and make visible the work of their peers. It is also important for them to invent new forms of exhibition, to develop and circulate new concepts about art, the art of exhibiting and the creative process itself. The personal enrichment they draw from this activity also plays an important part in their motivation. In this catalog, you’ll find the answers given by each artist to the two questions posed.

I was keen to bring together these artists committed to curation in the specific space of Abstract Project. Abstract Project is an associative gallery for creation, reflection and circulation, created and managed by and for artists. This specific framework corresponds effectively to the concept of curating, and differs somewhat from what might be called curating or the organization of exhibitions.
Hans Ulrich Obrist has made a major contribution to the development of this concept, and embodies it in an exemplary way. He places particular emphasis on the fact that curation is a process based on exchange with artists. Accompanying them in the discovery of new directions is part of this. This is an essential aspect of curating (curare=to care).
The curator also imagines new forms of exhibition, other space/time arrangements (exhibitions that are spread out, exhibitions in unusual places such as hotel rooms, hospitals, etc.).
The question of how works are received is central to curatorial activity. Abstract Projet is a structure strongly influenced by its public, which is essentially one of artists. This specificity makes it an incubator for artistic projects and a showcase for the artists who display their work there, remaining outside the commercial circuit and thereby signalling their strong commitment to contemporary creation.

(traduction Diane De Cicco)

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#165
Tetsuya CHIBA

Exposition du 2 au 11 novembre 2023
Vernissage le mercredi 1er novembre de 18h à 21h

Dans une petite pierre

Si l'on regarde l'image magnifiée du diamant et sa coupe géométrique, on voit que s'y reflètent différents éléments fragmentés.

« Mais alors d'où proviennent ces fragments ?

C'est à cela que je pense. Peut-être que pour les gens la beauté des diamants et d'autres pierres précieuses, réside dans la possibilité de voyager librement dans leur imaginaire, au-delà du temps et de l'espace.

J'espère que mes peintures évoquent une telle pensée.

Inside a small stone

Looking at a magnified image of the geometrically cut diamond, we can see some various fragments of things are reflected in it.

"Well, when and where are these fragments come from...?"

At that time I have such a thought. Maybe the reason people feel beauty into diamonds or other jewels is the possibility of traveling freely in their imagination, beyond time and space.

I hope my paintings evoke such a thought.

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Réalités Nouvelles 2023
Louis Meyer / Gabriel Seijas

Exposition du 19 au 21 et du 25 au 28 octobre 2023
Vernissage le mercredi 25 octobre de 18h à 21h

Louis Meyer

Né en 1994.
Diplômé des Beaux-Arts de Paris, DNSAP, atelier Dominique Figarella, en 2020.

« Dans le travail de Louis Meyer, la sculpture et la peinture se pensent dans toute leur complémentarité, l’une venant systématiquement soutenir l’autre, dans des constructions simultanées qui refusent une typologie stricte. Si ses toiles semblent abstraites, avec des compositions gestuelles nerveuses, le corporel se réinvite toujours par des volumes qui contaminent l’ensemble : parfois, c’est un morceau de polystyrène fondu qui dégouline sur l’huile, ailleurs, c’est un socle ou une maquette qui surgissent de la surface. Louis Meyer ne cherche pas à le masquer : ses gestes sculpturaux n’hésitent pas à être violents – il brûle, troue, asperge. Toutefois, le sacré n’est jamais très loin : ses œuvres rappellent des autels ou des stèles. Sur certaines d’entre elles, un mystérieux buste revient comme une sorte de Vénus primitive, précieux et minuscule. Mesurant à peine la taille d’un pouce, ce visage lépreux, qui paraît avoir été attaqué à l’acide, est issu d’un essai infructueux. Une pièce réalisée en cire et destinée à la fonte s’est cristallisée et brisée : il en restait cette forme hiératique sans face humaine. Tiré en argent ou en bronze, cet autoportrait vient hanter la peinture de Louis Meyer tel un petit dieu à qui l’on doit le respect, une sorte de point de départ ou d’outil de travail, afin d’aboutir à un équilibre. Peut-être ce dernier est-il un peu précaire – comme en témoigne le goût de l’artiste pour les mobiles –, mais n’est-ce pas là un désir humble face à une matière toujours en mouvement ? »
Camille Paulhan, 2020

Gabriel Seijas

Né en 1994.
Diplômé des Beaux-Arts de Paris, DNSAP, atelier James Rielly, en 2023.

Ma pratique picturale s’articule principalement autour de la couleur ainsi que du geste. Partant d’un principe et d’une volonté d’explorer une image sensorielle qui reste fixe, je développe dans une toile une approche de la lumière et de l’espace dans la peinture. À l’aide d’artifices, telles des lignes que je trace comme on écrit des phrases, qui supposément paraissent droites alors qu’elles ne le sont pas, j’interroge le regard du spectateur, de ce qui est donné à voir, de nos émotions communes et pourtant si différentes, de la temporalité d’un lieu, d’un moment donné et vécu, qui ressurgissent telles des anamnèses. À travers une peinture qui laisse paraître une certaine rigueur, c’est tout le chemin inverse que j’entreprends, rien n’est prédéfini et les lignes verticales sont une métaphore, elles traduisent une plongée, une immersion dans la peinture et dans l’acte de peindre. L’idée d’une harmonie colorée, d’un reflet poétique et nouveau, d’un hasard par superposition de couches et de teintes, se révèle au séchage de l’acrylique dilué, parfois sans aucun contrôle de ma part. J’additionne et je soustrais des couches dans un assemblage qui conjugue recouvrement et transparence. Les lignes à main levée, la matière et les couleurs, sont des manifestations de ma porosité au monde, projetées à la surface de la toile, elles tentent de répondre à l’esthétique urbaine ainsi qu’à sa temporalité qui nous entourent, et à l’impact de celles-ci sur la perception de notre environnement en constante accélération.
Grâce à ces gestes picturaux, je remets en question ce que sont devenus les gammes chromatiques de nos villes d’aujourd’hui. Les fumées blanches et grises de nos incinérateurs de déchets, de nos voitures, de nos immeubles, de nos tours érigées aux fenêtres chromées comme un écran de ce que l’on ne peut point voir, et pourtant.

#164
Confluence of lines
The Drawing Collective

Exposition du 5 au 14 octobre 2023
Vernissage le mercredi 4 octobre de 18h à 21h

Trente-cinq artistes membres du The Drawing Collectif, originaires de treize pays, ont rassemblé leurs oeuvres dans cette exposition intitulée Confluence of Lines.

Thirty-five artist members of The Drawing Collectif from thirteen countries have gathered with their work n this show Confluence of Lines.

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#163
Abstract Color Project
4 visions

Exposition du 21 au 30 septembre 2023
Vernissage le mercredi 20 septembre de 18h à 21h

Abstract Color Object se concentre sur des formes abstraites avec une palette de couleurs limitée sur des objets en relief.

La perspective, l'ombre et la profondeur spatiale créent une dimension supplémentaire, les limites de la surface plane sont dépassées.

Cette peinture sur des objets tridimensionnels en relief forme une intersection entre la sculpture et la peinture et peut être située dans le champs de l'art minimal, de l'art concret et du constructivisme.

Le spectateur est invité à s'engager dans une expérience interactive et à s'impliquer dans les différentes visions de l'art des quatre artistes.

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#162
Jonathan Steelandt
Normographes

Exposition du 7 au 16 septembre 2023
Vernissage le mercredi 6 septembre de 18h à 21h

Depuis 2020, je réalise un travail photographique autour de trois normographes retrouvés chez mon grand-père.
Muni de deux sources lumineuses (une froide, une chaude) et d'un fond blanc, je tends à l'épuisement d'un maximum de variations.
Je suis fasciné par la disparition de l'objet et de sa fonction et par la matérialisation par la lumière de lignes, plans et surfaces durant le temps d'exposition.
La notion d'épuisement (des variations/du sujet/du spectateur/du photographe/des objets photographiés aussi) m'intéresse autant que l'aspect formel et plastique.
Les images sont produites directement sans post-production.

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Résidence
Barbara Bryn Klare

Du 15 au 31 août 2023

La mémoire de la couleur dépend du jour

Le travail en techniques mixtes de Klare présente une esthétique contemporaine explorant l'abstraction, la précision, la géométrie, la matérialité et le processus, évoquant une présence matérielle ou une qualité conceptuelle qui rappelle souvent les textiles ou les filages.

Ses compositions actuelles explorent des souvenirs passés de tissus, de motifs et de voyages artistiques antérieurs.

Lignes et teintes saturées sont construites et décomposées pour soutenir un désir de former et de remodeler des souvenirs de couleur.

Elle vit et travaille dans l'Ohio rural (USA).

 

EXPOSITION ET SÉANCE DÉDICACE LE 13 JUILLET A LA GALERIE

#161
Est/Ouest

Exposition du 1er au 10 juin 2023
Vernissage le mercredi 31 mai de 18h à 21h

Est-Ouest
La liberté et la vérité dans l’art semblent être quelque chose de très évident. Cela n’a pas toujours été le cas. Après la Seconde Guerre mondiale et la brève exaltation de la paix et de la liberté, vient la guerre froide et, en conséquence, le « rideau de fer » est tombé. Dans les années 1950, l’Europe centrale et orientale ont perdu l’occasion de se confronter à tout ce qu’implique la liberté dans l’art. L’ère du réalisme socialiste a commencé dans cette partie de l’Europe. Ce n’est qu’après la mort de Staline en 1953 qu’un lent dégel s’est produit. En Pologne, les nouvelles tendances transposées de l’Europe occidentale ont commencé à apparaître très rapidement par rapport au reste du camp socialiste. Le cubisme, le matiérisme, le conceptualisme, l’abstraction poétique et géométrique étaient les plus populaires.
Pourtant, à l’époque, il existait des liens entre la Pologne et la communauté artistique en France.
Ainsi, en 1957, Denis René* organise dans sa galerie une très importante exposition intitulée « Précurseurs de l’art abstrait de Pologne », à laquelle participent les principaux représentants de l’avant-garde polonaise. Ainsi, probablement pour la première fois, l’Occident a eu l’occasion de se
familiariser avec l’avant-garde polonaise. À l’initiative de ces artistes d’avant-garde, en 1931, le premier musée d’art abstrait a été créé en Pologne, grâce à la coopération d’artistes polonais et français (le groupe polonais a.r et le groupe français Abstraction Création).
Après 1957, la porte de l’Occident s’est ouverte plus largement et cela a duré jusqu’à l’émergence de Solidarność. La liberté conquise alors sous la direction de Lech Wałęsa fut de courte durée, car W. Jaruzelski imposa la loi martiale et les contacts avec le monde occidental furent à nouveau rompus pendant une décennie. Le monde de l’art de cette partie de l’Europe a été à peine remarqué de derrière le mur de Berlin. Sa chute et la réunification de l’Allemagne ouvrent à la Pologne la voie vers une Europe unie.
De nouveau à Paris, Denis René organise, en 2004, une exposition de reconstitution de son exposition de 1957, de l’avant-garde polonaise, en l’élargissant à la participation de la jeune génération.
Le Musée Matisse du Cateau-Cambresis organise l’exposition : Avant-gardes polonaises en 2006 et le Centre Pompidou en 2018, l’exposition : Une avant-garde polonaise-Katarzyna Kobro et Wladyslaw Strzeminski.
Depuis lors, grâce à divers projets internationaux, par exemple Erasmus, les artistes et les étudiants ont pu entrer en contact avec l’Europe entière sans obstacles. Aujourd’hui, grâce à l’accès aux nouveaux médias, nous pouvons confronter nos réalisations en permanence.
L’exposition que nous allons présenter à Paris et à Radom montrera les réalisations actuelles des artistes de ces centres dans une sélection restreinte en raison du manque d’espace dans les galeries ; néanmoins, il s’agira d’une confrontation intéressante permettant de connaître les activités actuelles des artistes des deux pays qui utilisent différents moyens d’expression et méthodes de description et d’interprétation du monde visible et invisible.
Il sera intéressant de voir ce qui unit ou divise le travail de ces communautés. Un élément très important de la créativité est l’accord avec soi-même. La vérité et la liberté dans l’art sont des éléments non négociables. Cela a été noté dès le cinquième siècle par le philosophe saint Augustin d’Hippone :
« L’une des catégories de pensée les plus fondamentales dans la philosophie de l’évêque d’Hippone /354-430/ est l’intériorité. C’est dans l’homme intérieur que réside la vérité », écrivait Augustin.
« Si l’extériorité est une certaine forme dont est revêtue l’intériorité, alors, tout en conservant sa validité propre, la forme est subordonnée à ce qui est plus profond et constitue un certain contenu. Ce serait une tragédie de la forme si elle cachait le contenu ou ne permettait pas au contenu de se révéler. » **
La science et l’art, chacun à sa manière, tentent de découvrir et de décrire le monde des choses visibles et invisibles et de leur donner une forme appropriée à la philosophie de chaque artiste. Dans l’art, rien n’est donné et rien n’est découvert pour toujours. La recherche constante est la seule voie possible en
science comme en art.

Bogumiła Strojna, Aleksander Józef Olszewski

* Galerie Denise René, spécialisée dans l’exposition de l’art abstrait depuis 1945, ouverte sur l’international.
** Piotr Turzyński « La beauté dans la théologie de Saint Augustin, une tentative de systématisation de l’esthétique théologique augustinienne », Maison d’édition du diocèse de Radom, 2013.

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#160
Symbiose

Exposition du 16 au 27 mai 2023
Vernissage le mercredi 17 mai de 18h à 21h
Finissage le samedi 27 mai de 18h à 21h

La Galerie Abstract Project est heureuse d’accueillir Jean-Philippe Côté et Victor Drouin-Trempe, lauréats de l’appel à projet d’ISEA2023, 28e symposium International de la Création Numérique et auteurs de l’installation interactive Empreintes sonores.
En parallèle, une trentaine d’artistes du réseau Réalités Nouvelles montrent leurs expérimentations « en symbiose » avec des outils dotés d’intelligence artificielle.
Pour la Galerie Abstract Project et Réalités Nouvelles, cette initiative prolonge dix ans d’explorations des liens entre arts et sciences, présentées chaque année au Salon Réalités Nouvelles depuis 2014. D’abord avec le collectif Labofactory, créé en 2005 par Jean-Marc Chomaz, artiste physicien, François-Eudes Chanfrault, compositeur et Laurent Karst, architecte-designer et enseignant en architecture et design d’espace à l’ENSA Dijon. Et depuis avec Percept-Lab, créé en 2021 par Laurent Karst et Filippo Fabbri, chercheur-compositeur et maître de conférences à l’université Paris-Saclay, en prolongement d’une recherche initiée en collaboration avec l’École polytechnique.
Abstract Project est heureuse de rejoindre ISEA2023 en tant que lieu culturel partenaire. Événement majeur de la scène mondiale de la création numérique, ISEA2023 vise à renforcer le dialogue entre artistes, chercheurs, ingénieurs, designers et entrepreneurs des industries culturelles et créatives.
Le thème de cette édition est en symbiose. En ce temps de crise globale à la fois sanitaire, écologique, économique et démocratique, la symbiose permet d’explorer de façon transversale les mutations en cours à l’ère du numérique.

Olivier Di Pizio, président du comité des Réalités Nouvelles

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HORS LES MURS
Galerii Rogatka / Abstract Project
Wschód / Zachód - Est / Ouest
RADOM - POLOGNE

du 10 au 20 mai 2023

Dans le cadre d'un échange et d'une collaboration entre galeries d'Europe de l'Est et d'Europe de l'Ouest, la galerie Rogatka présente des oeuvres d'artistes de la galerie Abstract Project.
Cette exposition confrontera le travail dans le domaine de l'abstraction, 30 ans après la fin de la guerre froide, u sein de ces deux blocs qui n'existent plus et examinera la situation actuelle dans ce domaine, à l'ère de l'Europe unie.

As part of the exchange and cooperation between Eastern and Western European galleries, Rogatka Gallery presents works by artists from the Abstract Project Gallery.
This exhibition will confront the work in the field of abstraction, 30 years after the end of the Cold War, within the two blocs that no longer exist, and examine what the current situation in this field is, in the era of a united Europe.

W ramach wymiany i współpracy między galeriami Europy Wschodniej i Zachodniej Galeria Rogatka prezentuje prace artystów z Galerii Abstract Project.
Wystawa ta pozwoli na skonfrontowanie twórczości w dziedzinie abstrakcji, 30 lat po zakończeniu zimnej wojny, w ramach tych dwóch bloków, które już nie istnieją, i sprawdzenie, jaka jest obecna sytuacja w tej dziedzinie, w dobie zjednoczonej Europy.

#159
Splitting the square

Exposition du 4 au 13 mai 2023
Vernissage le mercredi 3 mai de 18h à 21h

Le carré, élément incontournable de l’abstraction depuis Malevitch, mérite-t-il une atteinte à son intégrité ? Car c’est bien là le sens de « to split » : il ne s’agit plus simplement de diviser, mais bien plus : séparer, fendre, rompre… avec comme résultat des parties qui se distinguent les unes des autres, de manière chromatique, géométrique ou spatiale. Le carré risque donc de passer un mauvais moment, malgré tout le respect qu’on lui doit. Cependant, au-delà de la fascination visuelle qu’il exerce, il montrera ici son étonnante fécondité.

Does the square, an essential element of abstraction since Malevich, deserve an attack on its integrity ? Because this is the meaning of « to split » : it is no longer simply a question of dividing, more to disunite, rupture or burst resulting in the creation of autonomous, distinguishable parts - chromatic, geometric, spatial or otherwise. The square is therefore likely to have a bad time, despite all the respect it has earned. However, beyond its visual fascination, it will show here its astonishing fruitfulness.

Jean Luc MANGUIN

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#158
Michael S.L. Vandorpe
Contact

Exposition du 20 au 29 avril 2023
Vernissage le mercredi 19 avril de 18h à 21h

Pour le peintre, la peinture est une enquête sur l'essence.

Couleur, ligne et forme, Michael S.L. Vandorpe réduit le paysage et le monde dans lequel nous vivons à des peintures à l'huile sur toiles non objectives.

L'approche abstraite géométrique en combinaison avec une picturalité poussée forme une étrange harmonie.

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#157
SIZONENKO
Fibonacci, musique et spiritualité

Exposition du 6 au 15 avril 2023
Vernissage le mercredi 5 avril de 18h à 21h

Le nombre d'or fait partie de ce que l'humain ressent comme « étant en proportion » puisqu'il est inscrit naturellement dans son environnement, harmonie géométrique, équilibre des forces internes du vivant.

Ainsi les peintures sérielles sont le résultat de règles picturales, géométriques et arithmétiques construites à partir des nombres de la suite de Fibonacci.

Comment rendre la musique picturale, la peinture musicale ?

Les « Histoires musicales » sont des représentations d'images synesthésiques visualisées à l'écoute de la musique.

Comment rendre la peinture sérielle spirituelle ?

Les mandalas sont des tableaux de méditation, de respiration, d'apaisement, d'introspection.

 

#156
Archipel

Exposition du 23 mars au 1er avril 2023
Vernissage le mercredi 22 mars de 18h à 21h

« Nous ne sommes que rencontres : avec la couleur d’un ciel, un rayon de soleil, une heure de la journée, le charme d’une personne ou d’un paysage ».
Édouard Glissant - La Cohée du Lamentin - Gallimard

Un archipel est un ensemble d’îles relativement proches les unes des autres. La proximité se double le plus souvent d’une origine géologique commune. Cette notion est utilisée en géographie pour désigner un mode d’appropriation spécifique de l’espace entre des éléments isolés entretenant des liens importants et primordiaux. C’est ce glissement métaphorique qui a construit cette exposition. De l’atelier 30 des Ateliers Beaux-Arts de Paris, rue de la Glacière, à cette exposition à la galerie Abstract Project. Les artistes ici présenté.e.s ont en commun de faire monde par leurs expérimentations, leurs recherches et
productions, ensemble, à côté, dans ce lieu partagé, particulier.
Aussi bien en philosophie, sociologie, économie, la notion d’archipel peut être une image puissante qui montre une façon d’habiter le monde.

« De la même manière que l’art dresse un monde..., la mer en tant qu’isolateur, fait apparaitre un monde maquette ».
Peter Sloterdijk - Écumes sphères III - Seuil

La singularité des œuvres de chaque artiste exposé ici, est doublée, couplée à cette « création permanente » de l’atelier comme entité qui produit comme le suggère Robert Filliou, du bonheur. C’est cette forme d’existence en contact que permet un atelier de pratique artistique.

« Les œuvres d’art ne sont pas des spécimens provenant de pièces ou de caisses, mais plutôt des échantillons tirés de la mer. Littéralement ou métaphoriquement, elles exemplifient des formes, des sentiments, des affinités, des contrastes, qu’elles cherchent dans, ou construisent en, un monde. ».
Nelson Goodman - Manière de faire des mondes - Gallimard folio essai

Olivier Di Pizio
Atelier Beaux-Arts de Paris / Atelier 30

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#155
Champ Libre

Exposition du 9 au 18 mars 2023
Vernissage le mercredi 8 mars de 17h à 21h

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#154
Mâa Berriet / Carol-Ann Braun / Alain Longuet / Hugo Verlinde
EXO_01

Exposition du 25 février au 4 mars 2023
Vernissage le samedi 25 février de 17h à 21h
Finissage le samedi 4 mars de 17h à 21h

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#153
Michel Alexis / Paul Campbell / Alba Escayo
Rémanence

Exposition du 9 au 18 février 2023
Vernissage le mercredi 8 février de 18h à 21h

Michel Alexis
dessine des rhizomes qu’il associe
à des « images de la pensée », parcours
d’un récit intérieur.

Paul Campbell
utilise des traces aléatoires de véhicule sur
le ciment, qu’il transfère et recadre
de façon minimale.

Alba Escayo
travaille sur des fragments de récits qui
perdurent et ressurgissent abstraitement
de manière inconsciente.

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#152
Marie Gratzmuller / Ani Papazian
Dérives

Exposition du 26 janvier au 4 février 2023
Vernissage le mercredi 25 janvier de 18h à 21h

Dérive, subst. féminin
1. Déviation d’un navire, d’un avion, sous l’effet des vents et des courants.
2. (Au figuré) Déviation progressive et incontrôlée.

Les travaux que présente Marie Gratzmuller font le lien avec la théorie de la dérive qu’elle relie à sa façon d’arpenter un territoire familier dans lequel elle puise son inspiration. Au coeur de son travail, il y a aussi la question du lien entre recherche artistique et recherche mathématique. Utiliser son expérience des mathématiques, l’associer aux éléments de la peinture, jouer avec ces espaces « dérivables » ou bien cet « arpentage géométrique ».

Le travail d’Ani Papazian pour cette exposition est le produit d’un processus de création mnémonique, atlas de formes extraites de photographies prises au cours de ses voyages proches et lointains et qui forment un dialogue entre différentes techniques, peinture et céramique abordant les notions de cycle, de transformation et d’évolution permanente de formes, de dérives.

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#151
Natalie Duval Laraby
Voltige et Vertige en soi

Exposition du 12 au 21 janvier 2023
Vernissage le mercredi 11 janvier de 18h à 21h

Voltige et vertige en soi, ou plutôt vertige en soi et voltige hors de soi ?
Comme Hamlet, je suis indécidable, incapable de prendre parti, voltigeant également en moi.
Ma peinture oscille entre des transitions de phase, mêlant des états de matière divers, animés par une gestuelle furieuse ou apaisée dans un espace vide pour s épanouir.
Un vide plein d’où éclate une couleur vive et incandescente, débordant une forme réceptive et compréhensive.
Un art mixte, entr'ouvert sur l’autre en nous.

Le catalogue #151 en version pdf